C'est surtout le traitement de ça qui m'intéressait. Hélas mon reflex d'entrée de gamme ne sait pas bracketter, et je n'ai pas l'usage d'un x100t, un peu trop haut de gamme pour le photographe du dimanche que je suis.
En tous cas MERCI !
Côté cuisine
- Créateur du sujet macmarco
- Date de début
En tous cas MERCI !
Sur photoshop, je tire de manière "traditionnelle". Dodge & Burn. J'ai trois calques de réglages. J'utilise les techniques de mon maître de papier, Bruce Fraser. Pour chaque calque, il y a un support neutre (par exemple courbe), un type de fusion et un masque noir
• +sombre = fusion Produit
• +claire = fusion Superposition
• Contraste = Lumière tamisée
Contraste n'appartient pas à la notion de Dodge & Burn en argentique. Il correspond au papier multigrade en argentique noir et blanc (suivant le filtre de couleur utilisé sur l'agrandisseur, le papier réagit de manière plus ou moins contrastée).
• +sombre = fusion Produit
• +claire = fusion Superposition
• Contraste = Lumière tamisée
Contraste n'appartient pas à la notion de Dodge & Burn en argentique. Il correspond au papier multigrade en argentique noir et blanc (suivant le filtre de couleur utilisé sur l'agrandisseur, le papier réagit de manière plus ou moins contrastée).
À la palette graphique, au pinceau blanc, on "ouvre" des trous dans les masques noirs. Le masque qui en résulte correspond aux mouvements des mains sous l'agrandisseur argentique. C'est le gros de "l'interprétation" de l'image.
Sur cette photo, il n'y a presque rien. Pas de contraste, pas de +sombre et quelques petites zones en +clair.
Sur cette photo, il n'y a presque rien. Pas de contraste, pas de +sombre et quelques petites zones en +clair.
Après je prépare différemment l'image suivant sa destination. Pour un petit format pour écran comme ici, je passe directement à l'accentuation pour l'écran.
Pour l'impression, je passe par une étape d'accentuation adaptée au contenu de l'image et j'y mets les mains (masques à la palette graphique). Ensuite j'applique une accentuation adaptée au type d'impression (jet d'encre sur papier museum ou impression numérique pour livre).
Pour l'impression, je passe par une étape d'accentuation adaptée au contenu de l'image et j'y mets les mains (masques à la palette graphique). Ensuite j'applique une accentuation adaptée au type d'impression (jet d'encre sur papier museum ou impression numérique pour livre).
Normalement, ce type de photo, c'est avec un pied pour descendre la sensibilité en augmentant le temps de pause. Dans tous les cas, il est préférable de bracketer : On ouvre à f5.6, le diaph où la plupart des objectifs piquent le plus (le X100 est un ovni). On descend l'ISO au minimum. On expose en RAW courbe à droite (sauf avec de l'Xtrans) = trouver la vitesse qui, si on la réduit d'un cran (1/3 d'EV), ça brûle. Baisser la vitesse de 2 crans (2/3 d'EV). Bracketer avec un pas d'un EV = Photo 1 ; Descendre la vitesse de 3 crans (1 EV) photo 2, Remonter la vitesse de 6 crans (2 EV) photo 3.
https://forums.macg.co/threads/cote-cuisine.126975/page-81#post-13175598
https://forums.macg.co/threads/cote-cuisine.126975/page-81#post-13176534
Les grands photographes le font faire par des tireurs tout en les dirigeants :
il y a quelques années j'ai failli en acheter un à un collègue qui vendait le sien, cherchant aussi un appareil de poche parce que le reflex c'est bien, mais encombrant même avec seulement un 35mm. Il me l'a prété, et c'est vrai qu'il fait des photos magnifiques. Mais je n'ai pas pu me faire aux déformations dues à la focale. Tu laisses tel que ou tu corriges (et comment ?).
Sur les fichiers issus des précédentes versions d'X100 (j'en suis à mon 4e), si ça me dérange, j'active la correction de l'objectif dans Adobe Lightroom. Les profils disponibles sont bien. Sur la dernière version, la V (nouveau capteur et nouvel objectif pour ce capteur), le profil de l'objectif est intégré dans le fichier RAW. Adobe l'applique directement au développement, je n'ai donc plus rien à faire.
Avec tous mes Fuji, il y a toujours eu la correction en auto au développement.
Pareil pour mon leica.
Sinon bonjour les dégâts
Pareil pour mon leica.
Sinon bonjour les dégâts
Evidemment, vu comme ça, c'est simple
!Je n'ai pas photoshop ni lightroom, mais affinity. Je vais aller regarder dans la doc s'ils font la même chose, déjà ils reconnaissent l'objectif. Et à l'époque du test je n'avais pas affinity et développais avec PSE9
En tous cas merci.
Edit : bien évidemment affinity le fait aussi. Mais je ne l'avais pas à l'époque...
Nous baignons dans l'imagerie de la peinture classique. Cette dernière repose essentiellement sur la composition basée sur des grilles. Cela peut nous amener à composer à la manière classique académique sans être conscient des grilles sous-jacentes. On parle de formation de l'œil. Des photographes humanistes parisiens tel Willy Ronys ont passé beaucoup de temps, enfants au Louvre…
Nous baignons dans l'imagerie de la peinture classique. Cette dernière repose essentiellement sur la composition basée sur des grilles. Cela peut nous amener à composer à la manière classique académique sans être conscient des grilles sous-jacentes. On parle de formation de l'œil. Des photographes humanistes parisiens tel Willy Ronys ont passé beaucoup de temps, enfants au Louvre…
Bon alors mon crop est pas si mal semble t'il !
C'est fou ce qu'on apprend en lisant vos commentaires et vos conseils ici !
Je fais de la photo depuis plus de 50 ans en parfait béotien ... J'ai eu quelques bons appareils argentiques (Nikkormat FT2 - Nikon F3 - Konica Hexar) avant de passer au numérique avec le Nikon D70 qui est encore mon appareil principal actuellement ... et qui me convient parfaitement pour l'usage que j'en ai en connexion avec "Photos" pour les corrections basiques habituelles ... :hilarious:
Mais ... vous me donnez l'envie d'aller plus loin ... Les derniers posts sur la composition d'une image m'ont fascinés ! Alors ... Merci !!!
Je fais de la photo depuis plus de 50 ans en parfait béotien ... J'ai eu quelques bons appareils argentiques (Nikkormat FT2 - Nikon F3 - Konica Hexar) avant de passer au numérique avec le Nikon D70 qui est encore mon appareil principal actuellement ... et qui me convient parfaitement pour l'usage que j'en ai en connexion avec "Photos" pour les corrections basiques habituelles ... :hilarious:
Mais ... vous me donnez l'envie d'aller plus loin ... Les derniers posts sur la composition d'une image m'ont fascinés ! Alors ... Merci !!!
Dernière édition:
L'œil se forme naturellement en regardant beaucoup de peinture classique.
Dans les ateliers de peintures* avant la photo, la composition reposait sur des règles académiques. Certains photographes ne prennent pas de risques et composent de la sorte. C'est le cas de l'atelier Leibovitz où cela est flagrant. La photo en studio se prête bien à ce genre d'approche où tout peut être réglé au millimètre bien avant la séance de prise de vue.
Cette vidéo détaille assez bien les différentes techniques académiques qui sont exécutées dans les photos mises en scènes de la photographe**.
* On sait que les grands peintres classiques travaillaient à la tête d'une armée de peintres, qui s'occupait des paysages, qui des tissus, etc.
** Leibovitz à de toute façon un œil terrible. Elle a découvert la photo comme option dans son cursus d'étudiante en peinture. Mais c'est quasiment impossible de composer une photo sans anticiper et mettre en scène dès qu'il y a plus de 2 personnes sur la vue.
Dans les ateliers de peintures* avant la photo, la composition reposait sur des règles académiques. Certains photographes ne prennent pas de risques et composent de la sorte. C'est le cas de l'atelier Leibovitz où cela est flagrant. La photo en studio se prête bien à ce genre d'approche où tout peut être réglé au millimètre bien avant la séance de prise de vue.
Cette vidéo détaille assez bien les différentes techniques académiques qui sont exécutées dans les photos mises en scènes de la photographe**.
* On sait que les grands peintres classiques travaillaient à la tête d'une armée de peintres, qui s'occupait des paysages, qui des tissus, etc.
** Leibovitz à de toute façon un œil terrible. Elle a découvert la photo comme option dans son cursus d'étudiante en peinture. Mais c'est quasiment impossible de composer une photo sans anticiper et mettre en scène dès qu'il y a plus de 2 personnes sur la vue.
Depuis sa naissance, la photographie est une fabrication. Au tout début, les manipulations devaient permettre de compenser des défauts techniques. Par exemple, on peignait les ciels qui étaient systématiquement brûlés par la surexposition. Très vite, les manipulations ne visaient plus à compenser les défauts techniques pour s'approcher du réel (qui est toujours une construction) mais ouvraient des libertés infinies. Ici, on est dans les années 80, avant Photoshop. Goude commence par dessiner ce qu'il imagine. Il choisit le modèle le plus proche de son dessin (ici sa muse), fait plusieurs clichés, les découpent et les composent pour allonger, ici le coup, là la jambe, tord le buste, etc. Il fait les jonctions à la peinture. Il manipule de sorte qu'il est évident que c'est manipulé (physiologiquement impossible), mais en même temps on ne sait pas où. Culte !
Depuis une décennie on trouve souvent les travaux préparatoires dans les expositions (j'adore regarder les contacts avec les marques à main levée, l'Editing me semblant une phase des plus difficile) . Ici, c'est une exposition à Paris en 2016. Pour aller dans le sens inverse de l'image finale, je n'ai rien modifié, je n'ai pas supprimé le reflet en haut. J'ai juste développé comme si c'était un tirage contact.
Cette composition de Jean-Paul Goude me renvoie au travail de David Hockney visible dans le film documentaire a bigger splash. On le voit mitrailler un modèle en pied puis découper, ré assembler des bouts de diapositives afin d’obtenir la meilleure composition du modèle, pour ensuite la projeter sur la toile afin de réaliser sa peinture.
Dans l'art de la nature morte, figurer une volaille est chose courante. Ce qui importe à l'auteur tient de la composition, de la mise en situation et du lien ou renvoi pictural. L'intérêt est avant tout personnel. Cette composition est cohérente dans l'inventaire de SirDeck, si tu veux mon avis.
@stefhan Il y a différentes définitions du terme "intérêt". Le temps pris pour écrire au sujet de cette photo signe un intérêt. Mais la question ici, c'est peut-être plus "pourquoi cette photo".
Parce qu'elle me poursuivait, elle insistait. C'est pour moi le plus important. Après, oui, ce qui t’est répondu est juste. C'est une sorte de pastiche, un clin d'œil à la nature morte classique. Elle touche @thebiglebowsky sans doute comme beaucoup. Cela peut en effet renvoyer à la sortie d'autopsie. Le coquelet est cousu, on dit "Bridé" en boucherie. La peau rosée peut ne se révéler que plus dérangeante dans cette lecture. Mais brider en boucherie, c'est signe d'un grand respect. Prendre le temps d'apprêter ainsi la volaille est devenu très rare. Utiliser une aiguille (à brider), y passer la ficelle, puis passer l'aiguille là où l'art l'exige… On note les traces du chalumeau indispensable pour finir de retirer parfaitement le plumage. Les couleurs très variées de la peau, caractérise une pièce de choix.
Il me semble que ce paradoxe de l'alimentation pour vivre et de la mort qu'elle implique est récurrent dans la nature morte. Inutile d'aller du côté des vanités pour se voir renvoyer sa propre mort. La nature morte la plus brute dans ce sens (pour nos yeux contemporains) reste sans doute le bœuf écorché de Rembrandt.
Mon coquelet bridé me place dans cet entre-deux. Je suis Végétalien non dogmatique — certains diront "flexitarien". Si je suis invité quelque part, je me charge de la viande. Je peux donc aller sur une viande plus respectueuse de l'animal. J'en profite au passage pour défendre le fait que la protéine animale n'est pas nécessaire à l'alimentation humaine et que je la sers là comme on servirait un excellent whisky (pour ceux qui aiment) : Il ne s'agit pas de s'alimenter, mais de plaisir gustatif dans une culture précise (la nôtre) lors d'événements spéciaux, de célébrations.
Reste que je suis dans un entre-deux et mon coquelet tout nu avec ses coutures poste opératoire plutôt qu'habiller de sa dorure dont seul la vue évoquerait une odeur extrêmement appétissante de volaille rôtie, mon coquelet bridé me le renvoi cet entre-deux et donc sans doute à d'autre que moi. Car comment être respectueux avec un animal que l'on abat pour le manger ? Sans doute que cette photo doit beaucoup à mon choque devant un documentaire qui me poursuit : "Nous la mangerons, c'est la moindre des choses" réalisée par la plasticienne Elsa Maury.
Sur le plan formel, le coquelet bridé se positionne du côté réaliste. On est loin d'une composition ultra-classique et, donc lisible par tous, d'un Caravage :
On est plus proche de la "modernité" de l'Asperge de Manet (même si en son temps le Caravage était une révolution de modernité) :
On est loin des studios d'Irvin Penn :
On est plus dans l'instantané de Rinko Kawaushi (même si Penn à fait des natures mortes très contemporaines en studio) :
Bref, c'est tout de même du pastiche tout ça. Mais peut-on faire autre chose ? L'individu peut-il vraiment créer quelque chose ex nihilo ?
… vous avez 2 heures.
On est loin des studios d'Irvin Penn :
On est plus dans l'instantané de Rinko Kawaushi (même si Penn à fait des natures mortes très contemporaines en studio) :
Bref, c'est tout de même du pastiche tout ça. Mais peut-on faire autre chose ? L'individu peut-il vraiment créer quelque chose ex nihilo ?
… vous avez 2 heures.
Dernière édition:
Ah ben, vous en êtes la preuve !
Vous êtes fortiches les intellos pour faire des baratins pas croyables à partir de que dalle ...
